Programm & Karten

Presse 2013

Göttinger Tageblatt Januar 2013

Charmant und witzig: Zitterbart und F. Loh

Man muss nicht immer den Sinn des Lebens suchen. Bisweilen ist es viel unterhaltender, sich mit Unsinn zu befassen, besonders dann, wenn es dabei um so unterhaltsame Musik handelt, wie sie Pianist Gerrit Zitterbart am vorletzten Abend des Jahres im ausverkauften Claviersalon darbot.
Unsinn muss ja nicht Geistlosigkeit heißen. Im Gegenteil: Die Variationszyklen über populäre Lieder im Stil verschiedener Meister von Cornelius Gurlitt, Siegfried Ochs und Karl Hermann Pillney sind witzige Lektionen in Musikgeschichte. Zitterbart präsentiert sie mit einer nicht minder witzigen, charmanten Moderation, lädt lautstark Giuseppe Verdi und Cecilia Bartoli zu Gast (die beide dann leider doch nicht kommen) und würzt den launigen Abend mit einer Prise Bach-Gounod, Thekla Badarzewkas „Gebet einer Jungfrau“ und einer exquisiten Interpretation des meisterhaften Walzers von F. Loh, den nur Ignoranten einfach „Flohwalzer“ nennen. Die schönste Zugabe ist eine fiktive Variation von John Cage über „Was machst du mit dem Knie, lieber Hans“: 33 Sekunden ohne jeden Laut. So leise spielt kaum jemand. Wunderbar.
Michael Schäfer

Göttinger Tageblatt Februar 2013

Intime Barockmusik

Eher untypisch für den Göttinger Clavier-Salon gestaltet sich das Konzertprogramm am Freitagabend. Die aus Israel stammenden Musiker Anat Edri und Alon Sariel verzichten auf Tasteninstrumente und begeisterten ihr kleines Publikum stattdessen mit Gesang und Erzlautenspiel. Sie legen den Schwerpunkt auf die englische und italienische Barockmusik, die, wie Lautenist Sariel meint, durch die geringe Besetzung eine besonders intime Atmosphäre erzeuge. Clavier-Salon-Betreiber Gerrit Zitterbart verspricht einen Abend voll „weit entfernter und doch vertrauter Musik“.
Die erste Hälfte des Konzerts steht im Zeichen der Werke von Dowland und Purcell, die nicht durch Effekte, sondern ihre Leichtigkeit bestechen. Leise erklingen die Töne aus Sariels Laute, der klare und glanzvolle Sopran Edris erstrahlt über dem zarten Fundament. Sie überzeugt an diesem Abend nicht nur durch ihren großartigen und gefühlvollen Gesang, sondern auch durch Mimik, mit der sie jedem gesungenen Wort und jeder Emotion noch einmal zusätzliche Tiefe verleiht. Sariel spielt zusätzlich einige Lauten-Soli, die häufiges Umstimmen seines Instrumentes erfordern. Charmant überbrückt der Musiker diese Phasen mit kleinen Scherzen und Geschichten über das Lautenspiel und erheitert damit die Gäste.
Die zweite Konzerthälfte ist den Werken italienischer Musiker gewidmet, wie der Toccata III von Michelangelo Galilei, Bruder des berühmten Astronomen, oder Kompositionen von Giulio Caccini. Dessen Kompositionsweise sei, im Verhältnis zu der anderer zeitgenössischer Musiker, „ein bisschen wie Popmusik und es geht immer um die Liebe“, erklärt Sariel den Gästen.
Das Publikum ist von den Darbietungen des Abends begeistert und belohnt das Duo mit ausdauerndem Applaus. Mit Monteverdis „Si dolce è’l tormento“ als Zugabe danken Edris und Sariel ihren Zuhörern und verlieren auch in den letzten Tönen nicht an ihrer Ausstrahlung.
Tina Evers

Göttinger Tageblatt Mai 2013

Klare Konturen

Pianistin Julia Rinderle konzertiert im Clavier-Salon in Göttingen

Seit zehn Jahren schon ist die heute 23-jährige Julia Rinderle mit dem Konzertpodium vertraut. Die aus Memmingen stammende Pianistin, Studentin an der Musikhochschule Hannover bei Roland Krüger, stellte sich am Dienstag mit einem anspruchsvollen Programm im Clavier-Salon vor.
Gleich der Einstieg war überraschend, denn meist beginnen Konzerte von Musikstudenten mit einem barocken Werk, um dann über Klassik und Romantik zur Gegenwart zu führen. Rinderle begann aber mit der Moderne. In den 1969 komponierten drei Nachtstücken von Peter Ruzicka erwies sie sich als virtuose, sensible Klangfarbengestalterin, die mit wenigen Strichen klare Konturen zeichnen kann und einen wachen Sinn für spannungsreichen musikalischen Aufbau besitzt.
Sehr transparent und durchdacht spielte sie Bachs Fantasie und Fuge a-Moll, um anschließend mit der h-Moll-Sonate von Muzio Clementi eine Rarität des Repertoires zu präsentieren. Clementi, heute eher reduziert auf die Funktion des Lieferanten braver Sonatinen für kleine Klavierschüler, verrät in dieser Sonate eine kompositorische Kraft und Kühnheit, die nicht weit entfernt von Beethoven ist.
Diese Sonate stellte Rinderle mit energischem, technisch wie musikalisch präzisem Zugriff überzeugend vor und arbeitete dabei starke Kontrastwirkungen heraus. Dass ihr auch spätromantisches Virtuosentum vertraut ist, bewies sich an der in wirbelndem Tempo vorgetragenen Etude-Tableau c-Moll op. 39 Nr. 1 von Rachmaninow.
Ein ganzes Bündel von Klavierstücken Claude Debussys bildete die zweite Hälfte des Abends: die sechs kurz nach 1900 entstandenen „Images“, in denen der Komponist seine ausgetüftelten Farbkünste meisterhaft ausbreitet. Hier hätte man sich stellenweise noch eine etwas feinere Anschlagsdifferenzierung im Pianobereich wünschen können – möglicherweise war dies aber auch den Eigenarten des historischen Instruments, eines 1898 gebauten Steinweg-Flügels, geschuldet, der recht verschwenderisch mit seiner Klangfülle umgeht. Die kleine Zuhörerschar dankte mit langanhaltenden Beifall für einen anregenden, von der Pianistin zudem auch klug moderierten Abend.
Michael Schäfer

Göttinger Tageblatt Juni 2013

Reiz überraschender Akzente

Eine im Konzert­leben etwas unterbelichtete Periode der Musikgeschichte ist die Zeit nach dem Ende des Barockzeitalters, vor Beethoven und jenseits von Mozart. Dazu gehören die Komponisten, die die japanische Pianistin Takako Miyazaki jetzt im Clavier-Salon aufs Programm gesetzt hatte: Carl Philipp Emanuel Bach, Joseph Haydn und Muzio Clementi.
Sie spielte diese Werke auf dem Nachbau eines Hammerflügels von 1795. Zur Zeit der Komposition muss die Musik tatsächlich so durchsichtig und schlank geklungen haben, wie es jetzt zu erleben war. Der moderne Konzertflügel produziert viel massivere, dumpfere Klänge.
Nicht allein am Instrument lag es, dass dieser Abend so ausgesprochen anregend verlief. Die Solistin legt viel Gewicht auf spannende Gestaltung der Phrasen. Sie lässt die Musik sprechen, gibt den Linien Raum zum Atmen, kostet den Reiz von überraschenden Akzenten aus, indem sie sich – angemessen stilsicher – Freiheiten in der Tempogestaltung nimmt.
Das macht ihren Vortrag ungemein lebendig, wie sie gleich an Carl Philipp Emanuel Bachs A-Dur-Sonate überzeugend vorführte. Clementis F-Dur-Capriccio besaß spritzigen Witz, Haydns C-Dur-Sonate tiefen Ausdruck. Vollends die beiden schönen Clementi-Sonaten – die in B-Dur mit dem Thema aus Mozarts „Zauberflöten“-Ouvertüre (die aber zehn Jahre später entstand) und die in g-Moll mit ihrem beethovenschen Gestus – machten das Zuhören zu einem kultivierten Vergnügen. Viel Applaus vom kleinen, aber begeisterten Publikum.
Michael Schäfer

Göttinger Tageblatt Juli 2013

Zwillingsschwestern am Klavier:

Die Pianistinnen Lok Ping und Lok Ting Chau

Ein Clavier-Salon, Musik zu vier Händen, vier Flügel und zwei Pianistinnen die einander aufs Haar gleichen. Der Clavierabend am Montagabend sollte spannende Vielfalt mit sich bringen. Wer bei den Namen Lok Ping und Lok Ting Chau schon eine gewisse Ähnlichkeit vermutet hat, konnte schnell sehen, dass die beiden Pianistinnen Zwillingsschwestern sind. Das Duo aus Hong Kong begann seine musikalische Ausbildung bereits im Alter von fünf Jahren und wurde mehrfach mit Preisen ausgezeichnet.
So sehr sich die beiden ähneln, so präzise ist auch ihr Klavierspiel. Die Schwestern spielen nicht nur perfekt zusammen, sondern bewegen sich bisweilen, etwa wenn sie blitzschnell die Hände von den Tasten lösen, sogar synchron. Sie eröffnen den Abend mit Mozarts Andante mit Variationen in G-Dur und wirken dabei konzentriert und doch gleichzeitig entspannt.
Als hätte der Himmel wenig später auf seinen Einsatz gewartet, hört man unmittelbar vor Beginn von Schuberts Duo „Lebensstürme“ ein Donnern im Clavier-Salon. Daraufhin fangen auch sogleich die Zwillinge mit energischem Spiel ihren eigenen musikalischen Sturm an. Das kontrastreiche Stück bietet laute, schnelle Läufe, zarte und freundliche Melodien oder auch bedrohlich wirkende Tiefen – ganz wie das Leben und ganz wie das Göttinger Wetter. Das Prasseln des Regens erzeugt während der leiseren Töne eine ganz besondere Stimmung.
Für großen Eindruck sorgen an diesem Abend nicht nur die Pianistinnen und die Harmonie von Kunst und Natur, sondern auch der 1882 in Wien gebaute Friedrich-Ehrbar-Flügel. Das Instrument nimmt sofort den ganzen Raum mit seinem warmen und vollen Klang ein, die Musik ist nicht mehr bloß zu hören, die Schwingungen sind sogar auf der Haut zu spüren. Der heitere Duktus von Brahms’ Ungarischen Tänzen 1 bis 6 überträgt sich schnell auf die kleine Schar der Zuhörer.
Die zweite Konzerthälfte bestreitet das Duo an einem Fréres-Érard-Flügel aus dem Jahr 1888, einem Instrument, auf dem laut Claviersalon-Inhaber Gerrit Zitterbart schon der französische Komponist Gabriel Fauré gespielt hat. Zu hören sind Poulencs Sonate zu vier Händen und Bizets „Jeux d’enfants“, eine Sammlung kurzer Stücke, in der verschiedene Kinderspiele durch starke tonmalerische Mittel hörbar werden. Ob Schaukel, Pferdekarussell oder Federball, die Schwestern konnten die Feinheiten deutlich herausarbeiten. Am Ende sind sie glücklich, die Musik einmal auf historischen Instrumenten gespielt und einen authentischen Klang erlebt zu haben.
Tina Evers

Göttinger Tageblatt Juli 2013

Wechselbad der Gefühle

Es waren nur acht Jahre: der Zeitraum zwischen 1786 und 1794. Aber musikalisch war diese Zeit voll von stilistischen Umbrüchen und Kontrasten. Mit nur drei Werken aus dieser Epoche erzeugte das renommierte Abegg-Trio am Dienstag ein Wechselbad der Gefühle.
Im kleinen Clavier-Salon mit den historischen Flügeln drängeln sich die Musikfans. Um die 80 Besucher umlagern das leger gekleidete Abegg-Trio. Zusätzliche Stühle werden aufgestellt, jeder Klavierhocker genutzt und sogar auf dem Boden sitzen Zuhörer um den Pianisten Gerrit Zitterbart, den Violinisten Ulrich Beetz und die Cellistin Birgit Erichson.
Mit Joseph Haydns Klaviertrio A-Dur von 1794 startet das Trio leicht und beschwingt. Gleich im Allegro moderato zelebrieren die Musiker das Werk als eine wunderbar liebliche Gute-Laune-Musik. Die singbaren Melodien im Andante und der beschwingte Spielfluss des Trios zaubern ein Lächeln in die Gesichter der Zuhörer.
Spätestens beim furiosen Allegro am Ende weiß man die historische Instrumentierung zu schätzen: Der sachliche und nicht zu laute Klang des Hammerflügels von 1795 harmonisiert mit den feinen Tönen der Violine und dem sanften Timbre des Cellos. Dieser transparente Gesamtklang des Trios lässt das Werk strahlen.
Das anschließende Klaviertrio B-Dur von Wolfgang Amadeus Mozart begeistert durch die Melodien und der Zwiesprache zwischen den Instrumenten. Auch hier profitiert die Interpretation dadurch, dass die historischen Instrumente gleichberechtigt auf Augen- beziehungsweise Ohrenhöhe agieren. Das Larghetto gehen die drei Musiker sehr emotional an. Hier berührt jeder Ton. Verspielt lassen sie das Werk im Allegretto ausklingen. Es fasziniert, wie das Trio zwischen Leichtigkeit und Tiefe changiert und sich die Musiker beim Spiel durch Blicke oder Lächeln verständigen.
Nach der Pause folgt die Zäsur: Beethovens Klaviertrio c-Moll. Von der ersten Sekunde an durchdringt das Trio die Musik mit einer unruhigen Dramatik – leicht aggressiv und immens aufwühlend. Selbst bei den herzzerreißend schönen Melodien im Andante cantabile ist eine nervöse Spannung zu spüren. Zum Schluss die Wendung: In den letzten Takten klingt das düstere Werk plötzlich verhalten, ja naiv und geradezu harmlos aus. Welch ein kurioses Ende.
Das Publikum feiert das Abegg Trio mit stürmischem und lang anhaltendem Applaus. Die Nähe zwischen Musikern und Zuhörern im Clavier-Salon an diesem Sommerabend wird vielen Besuchern im Gedächtnis bleiben – und sicher auch den Musikern.
Udo Hinz

Göttinger Tageblatt September 2013

Zuckende Flammen

Fünf junge Geigerinnen von der Musikhochschule Hannover setzen auf anspruchsvolle Solowerke

Tasteninstrumente stehen im Zentrum des Göttinger Clavier-Salons. Am Sonnabend mussten sie einen ganzen Abend lang schweigen: Musik für Violine solo war angekündigt. Dazu hatte Salon-Betreiber Gerrit Zitterbart fünf junge Geigerinnen eingeladen, die an der Musikhochschule Hannover bei Elisabeth Kufferath studieren. Die jüngste von ihnen ist Friederike Schindler, die gerade ihr Studium aufgenommen hat. Die ältesten, Selma Brauns und Henriette Otto (Jahrgang 1990), haben ihre erste intensive Ausbildung in Weimar erhalten, bevor sie nach Hannover wechselten. Mit Jahrgang 1993 liegen Charlotte Klinke und die aus Russland stammende Elena Ilinskaya altersmäßig dazwischen.
Das Programm des Abends umfasste ausgesprochen anspruchsvolle Solowerke: die drei Partiten von Johann Sebastian Bach, dazu zwei Solosonaten des romantischen belgischen Komponisten Eugène Ysaÿe. Friederike Schindler hatte in den raschen Ecksätzen der E-Dur-Partita bisweilen kleine Intonationsprobleme. Doch ist sie sehr wohl in der Lage zu lupenrein sauberen Tönen, wenn sie etwas mehr Zeit hat, wie sie in den langsameren Stücken eindrucksvoll zeigte. Auf ihre weitere Entwicklung kann man gespannt sein. Mit Ysaÿes zweiter Sonate – die mit ihrem Bach-Zitat auf die just gehörte Partita verwies – stellte sich Selma Brauns vor. Sie glänzte mit leidenschaftlichem, großem Ton, mit einer bewegenden Ausdrucksintensität und beachtlichen virtuosen Fähigkeiten. Die „Dies irae“-Variationen, die Ysaÿe hier ausbreitet, ließen unter ihren Händen fahle, zuckende Flammen leuchten.
Große Spannungsbögen gestaltete Charlotte Klinke in Bachs h-Moll-Partita, nahm den Presto-Satz halsbrecherisch schnell, ohne aus der Kurve zu fliegen, und ließ sich auch von dem laut rauschenden Regenschauer, der auf das Oberlicht des Saales prasselte, nicht irritieren. Mit Ysaÿes dritter Sonate („Ballade“) bot Elena Ilinskaya eine erstaunliche Leistung: hochvirtuos, blitzsauber und mit mitreißendem Temperament. Die entspannte, souveräne Ruhe, mit der Henriette Otto zum guten Schluss Bachs d-Moll-Partita gestaltete, war der perfekte Ausgleich für den vorangegangenen Nervenkitzel. Das gute Dutzend Zuhörer feierte die Solistinnen mit lang anhaltendem Applaus.
Michael Schäfer

Göttinger Kulturportal September 2013

Leicht / Schwer

Wiegt Musik unterschiedlich viel? Das wohl nicht, aber ein Programm kann man mit kompositorisch unterschiedlich gewichtigen Stücken versehen…
Nach einer gut gelaunten Einführung, abwechselnd in Deutsch/Englisch, mit kurzen Bemerkungen zu Musik, Instrument sowie einer „Warnung“ vor dem zeitgenössischen Stück des Abends begrüßte Hausherr G. Zitterbart die Solistinnen des Abends: Yoon Yang, Violine & Veronika Kopjova, Klavier.
Leicht
Mit Beethovens zweiter „Sonate für Fortepiano mit Violine“ in A-Dur (op.12,2) begann die leichte, da heiterere, erste Hälfte. Das frühe, 1797/98 entstandene Werk verriet bereits einiges vom Beethovenschen Humor und Eigensinn; so das leise, halbtönige, rhythmisch versetzt vorgetragene „Aushumpeln“ des ersten Satzes oder das eigenwillige Ende des dritten und letzten Satzes. Diese Passagen gelangen den beiden Spielerinnen auch am besten. Immer sehr aufmerksam miteinander musizierend, stets auf Klangbalance achtend hätten einige wenige Passagen, besonders im zweiten Satz, etwas weniger Gewicht, etwas weniger Nachdruck gut vertragen.
Zwei Bravourstücke im Anschluß: Niccolò Paganinis Caprice Nr. 24 aus dem op. 1 für Violine alleine, in deren Verlauf ein schlichtes a-Moll-Thema mit allerlei spieltechnischen Höchstschwierigkeiten verziert wird; man zeigt halt gerne, was man kann. Tadellose Ausführung.
Ein Feuer- & Donnerwerk für Taste und Saite boten die beiden im anschließenden Walzer von Camille Saint-Saëns; hier in der vom Geiger Eugène Ysaÿe, ebenfalls Caprice genannten, vorgenommenen Bearbeitung der originalen Klavieretude. Von den Damen wurde sie mit Spielspaß, Schwung und dem nötigen Schalk vorgetragen.
Schwer
Luciano Berios Sequenza VIII für Solovioline (1976/77) eröffnete die zweite Konzerthälfte. Die Sequenzen für verschieden Soloinstrumente zogen sich durch beinahe das gesamte Arbeitsleben des 2003 verstorbenen Komponisten.
Was ist dies für ein Stück? Ausgehend von zwei Tönen (a’/h’) breitet sich ein „Tonfeld“ aus, welches nach einigen Ausbrüchen dorthin zurückkehrt. So weit, so einfach? Nicht ganz: Müssen dabei doch extreme Artikulations- und Lautstärkeunterschiede in kürzesten Abständen bewältigt werden; ebenso ist ein metronomgleiches Rhythmusgefühl nötig; des weiteren ist der Ausführenden z.T. die Reihenfolge der vorgegeben Abschnitte überlassen; zuletzt findet sich beim Aufsetzen eines Dämpfers und gleichzeitigem Weiterspielen auch noch ein Theatereffekt.
Mit Übersicht sowie großer Spannung spielte Yoon Yang dieses Stück und traute sich am Ende an die Grenze der gerade noch wahrnehmbaren Lautstärke - Reklame für dieses Stück!
Die „schlitternden“ Geigenpassagen am Ende des ersten sowie vierten und letzten Satzes der Sonate für Violine & Klavier Nr. 1, f-Moll (op.80) sollten –laut dem Komponisten Sergej Prokofjew- an einen über einen Friedhof wehenden Wind erinnern. Die Grundstimmung dieses Stücks dürfte damit beschrieben sein: düster, vergrübelt, dunkel. Dies darzustellen, gelang den beiden Spielerinnen, die hier sichtlich in ihrem Element waren, ganz hervorragend. Besonders der schroffe, rhythmisch aggressive zweite Satz –teils brutal und mit äußerster Lautstärke vorgetragen- überzeugte. Bot der dritte Satz mit seiner kleinteilig umspielten Melodie, abwechselnd von beiden Instrumenten vorgetragen, ein wenig Erleichterung, so drehte der Schlußsatz wieder ins Finstere. Das langsame Tempo des Sonatenanfangs kehrte, leicht verkürzt, zurück und beendete das Stück- abrupt.
Die Sätze Nummer Eins & Drei gab man im übrigen auch bei Prokofjews Beerdigung.
Nicht mit einer solchen, sondern herzlichem Applaus der Zuhörer, derer es nur zahlreichere hätten sein dürfen, endete der Abend.
Bjørn Steinhoff

Göttinger Kulturportal September 2013

Mitreißender Abend mit Marc Pierre Toth im Clavier-Salon

Ob der Flügel, ein Th. Steinweg Nachfolger von 1898, angesichts des ungewöhnlichen Abendprogramms an diese bekannt-unsinige Monty-Python-Überleitung dachte - nein, vermutlich nicht: Klaviere denken nicht.
Und „Mitreißender Abend“? Ein reichlich abgenutztes Adjektiv für Konzertbeschreibungen, oder? Aber was dann: Launig? Großartig? Virtuos? Kurzweilig etc. etc.? Paßt alles; trifft es dennoch nicht. Vielleicht sollten mehr angehende Chemieingenieure ihr Studium abbrechen und Pianist werden.
Ms. Toth spielt nicht einfach nur, was auf dem Programmzettel steht: Pilgerchor & „Lied an den Abendstern“ aus Wagners „Tannhäuser“; danach „Isoldes Liebestod“ aus „Tristan und Isolde“. Er unterhält auch das Publikum vor, zwischen und nach den Stücken mit Bemerkungen zu Wagners Kompositionsweise; einer schräg-gelungenen Zusammenfassung der beiden Opern; Details aus Wagners Seifenoper-Liebesleben; den Beziehungen zu seinem Förderer Liszt - dessen Tochter Cosima zuerst mit Hans von Bülow (Wagners Dirigent, Widmungsträger des später erklingenden „Totentanz“), danach mit Wagner verheiratet war - unterhält also mit diesen Bemerkungen -charmant, gelehrt, witzig vorgetragen - das Publikum. Zu dessen sichtlichem Vergnügen.
Nebenbei bringt Toth Wagner auf den Punkt: „Diese einfache Melodie, immer wieder, dann diese harmonische Verwandlung [Er demonstriert es beim Pilgerchorthema am Klavier]. Ich bin wirklich kein Wagnerfan. Aber DAS ist einfach großartig!“.
Dazu spielt er die drei Opernbearbeitungen mit viel Hingabe und Ausdruck, angenehm unprätentiös, rhythmisch präzise, die Steigerungen gut nachzeichnend.
Und das mit dem „Kein Wagnerfan“ hat ihm vermutlich kaum jemand im Publikum geglaubt.
Klavierbearbeitungen größerer Werke waren, nicht zu vergessen, in früheren Zeiten Ersatz für Radio, CD, mp3 usw., denn das alles gab es noch nicht. Außer man leistete sich als Aristokrat ein Privatorchester. Unmengen dieser Bearbeitungen, besser: Orchesterextrakte, liegen heute ungespielt in den Schubladen.
Franz Liszts „Totentanz“, eine Paraphrase über die mittelalterliche Sequenz „Dies Irae“ aus der Totenmesse, dann in der Fassung für Klavier alleine, statt für Klavier mit Orchester. Toth singt das Thema kurz an, vergißt nicht ein paar der zahlreichen Verwendungen zu erwähnen (u.a Berlioz, die Monty Pythons in „Die Ritter der Kokosnuß“), empfiehlt en passant eine Comicverfilmung und den Komponisten Danny Elfman. Das Orchester vermißt man bei dieser Fassung für Klavier solo nicht einen Augenblick. Zum Leidwesen des Pianisten vielleicht, der dessen Part auch noch übernehmen muß. Begeisterter Applaus für diese in allerlei Hinsicht überzeugende Leistung, nach dessen Abklingen Toth sich erkundigt, ob es nach der Pause wirklich weiter gehen solle.
Raten Sie: Wie wird das Publikum reagiert haben?
„Zu Bach [den Goldbergvariationen] sag´ ich nicht viel. Tolles Stück.“ Spricht es - spielt sie. Die „Aria mit verschiedenen Veränderungen vors Clavicimbal mit zwei Manualen“ präsentiert mit Kanons, Spiel-, Rhythmus- und Tongeschlechtsvarianten alle möglichen Gesichter nicht des Oberstimmenthemas, sondern der Notenfolge im Baß. Geschrieben für ein Cembalo mit zwei Manualen, gehen naturgemäß einige Effekte auf dem „modernen“ Instrument verloren, doch nutzt der Kanadier mit Sinn für Geschmack die anderen Klangmöglichkeiten des Flügels. In durchweg raschen Tempi, zumeist „schlank“, mit wenig Schnörkeln dargeboten. Einige Erzdiakone der Alte-Musik-Bewegung hätten vielleicht etwas zu kritisieren gefunden, doch mag ihnen, zum Beispiel, ein so charmantes Detail wie der Übergang zum Quodlibet (d.h. der letzten Variation) erst einmal gelingen.
Eine stimmige - noch so eine Floskel - Darstellung des Stücks. Auch jener, beinahe magische Moment stellt sich ein, wenn nach den dreißig Variationen die anfängliche Aria unverändert erklingt; nun versehen mit der Erinnerung an das zuvor Gehörte. Sie ist gleich und doch verwandelt.
Noch einmal begeisterter Applaus für den Solisten, dieser aber gibt keine Zugabe: „nach so was“. Wobei „Opus 111“ (d.h. Beethovens letzte Klaviersonate) noch passen würde, er habe aber für einen Rachmaninoff-Abend, nächste Woche in Frankreich, zu viel üben müssen und daher...
Ein Graf Keyserling, dessen Cembalist Goldberg zum Namensgeber wurde, bestellte der Anekdote nach einst die Variationen bei Bach als Aufheiterung in schlaflosen Nächten. Ob Goldberg dies spielend gelang, weiß ich nicht; Marc Toth hatte mit der Aufheiterung der über dreißig Hörer jedenfalls keine Probleme.
Bjørn Steinhoff